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Docente e soprattutto fotografo di fama internazionale, Guido Guidi ci espone il suo punto di vista sulla fotografia degli ultimi anni…

Come docente di fotografia hai una posizione privilegiata per vagliare la giovane fotografia italiana: dove puntano l'obiettivo i giovani fotografi o, se preferisci, come?
Come docente non ho una posizione privilegiata..., quello che posso dire è che sono molto interessati alla fotografia come diario, alle volte con modalità troppo naiv, ma il diario e il corpo sono al centro dei loro interessi.

Cosa pensi della fotografia attuale, quella di tendenza che troviamo nei musei e nelle riviste? (mi riferisco ai vari Gursky, Goldin, Wall, Ruff, Serrano, Lorca DiCorcia, Neshat, Beecroft, Botto & Bruno, Basilico, ecc.)
Come al solito nelle riviste, anche o forse soprattutto specializzate, la “buona” fotografia deve essere “impressionante”... e i nomi che mi fai sono troppi e diversi.

C'è qualche autore contemporaneo che ti piace particolarmente?
Mi piacciono molto W. Eggleston, S. Shore, Citristenberry, P. Graham, J. Gossage e Lee Friedlander.

Per quali motivi li apprezzi?
Per la veste molto semplice delle loro fotografie che però nasconde una straordinaria complessità. Le loro fotografie sembrano prive di stile, ma mentre ci parlano del mondo, ci parlano della fotografia stessa. Usano questo medium con una modalità che permette alle loro fotografie di essere presenti ma non opache; infine perchè questi autori concedono poco o nulla alla moda e alle modalità del mercato dell'arte.

Cosa pensi delle stampe di grandi dimensioni?
Sono impressionanti, ma nascondono e anche troppo bene, un grande desiderio di imporsi sulle altre e anche nel mondo del mercato.

E della fotografia digitale? (ad esempio Erwin Olaf o Jeff Wall)
Non ha ancora scoperto la propria specificità e possibilità; da un lato imita la fotografia che conosciamo già e dall’altro la pittura, nei modi di poter correggere e migliorare l’aspetto del mondo.

Per quanto ti riguarda, a quali lavori ti stai dedicando ultimamente?
Diversi, l’insegnamento ad esempio, devo concludere due progetti di libro che dovrebbero uscire nei prossimi mesi, e poi ho due o tre progetti di cui ancora preferisco non parlare.

concludo tutte le interviste con la stessa domanda: quale futuro per la fotografia?
Non sono un indovino... non lo so!


Guido Guidi (Cesena 1941) ha esposto alla Biennale di Venezia, al Pompidou di Parigi, al Guggenheim di New York. Dal 1998 insegna all’Accademia di Belle Arti di Ravenna e dal 2001 è docente del Laboratorio di Fotografia presso il corso di laurea specialistica in Arti Visive allo IUAV di Venezia.

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Superficie fredda e tensione sotterranea, ossessione per il dettaglio e finzione cinematografica. Questi sono gli affascinanti paradossi che animano le immagini di Giorgio Barrera.


Come sei diventato fotografo?
Ho cominciato da autodidatta, e nel ‘94 mi sono iscritto al corso triennale dello Studio Marangoni. Poi sono stato assitente di Joel Meyerowitz in Italia, e qualche volta negli USA.

Nei tuoi progetti lo sguardo che rivolgi ai soggetti sembra voyeuristico e morboso. Lo sguardo con cui indaghi su fatti e comportamenti umani tanto intimi quanto minimi, quotidiani. In che misura la fotografia ha un rapporto diretto con il reale?
Ogni artista mette nella sua opera l’esperienza del reale. I miei lavori precedenti, hanno come tema di fondo l’induzione dell’immagine nella vita di tutti i giorni e la finestra concettualmente funge da cornice, è un’apertura che permette di essere osservati, studiati.

Lo spaccato di vita intima proposto nelle tue immagini è ricostruito ad hoc, come su un set cinematografico. Un modo di lavorare che richiama quello di Philip Lorca diCorcia. Quali fotografi ti hanno ispirato?
Come in diCorcia l’allestimento può risultare lungo e complesso, e lo scatto potrebbe sembrare secondario. Ma fino a un certo punto: scatti quando senti che è il momento in cui tutto sembra assomigliare a come l’avevi prefigurato. Per citare un fotografo, direi Friedlander. Però di più mi hanno ispirato filosofi come Gilles Deleuze e Guy Debord. E poi Vermeer, e i film di Fellini che sono documentari e visionari al tempo stesso.

Fotografi esclusivamente a colori. Perché?
Perché penso a colori. Nella fotografia l’uso del colore è importante come nella pittura.

Cosa pensi della differenza tra fotografo ed artista?
Non credo ci sia differenza tra fotografo e artista che usa la fotografia. Semmai la distinzione riguarda la personalità, e la profondità con cui vengono affrontati i temi che interessano all’uno o all’altro. Se un’immagine è sincera si avverte, si sente.

Tu sei un fotografo, o un artista che usa la fotografia?
Tutte e due le cose.

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A Milano dal 14/10 al 26/11/2006Un grande interprete dei nostri tempi - Andres Serrano - viene celebrato con un duplice appuntamento a Milano, in occasione della seconda edizione della Giornata del Contemporaneo.
Il PAC presenta la mostra Il dito nella piaga, una selezione di alcune delle più significative fotografie degli ultimi vent'anni, e la mostra The Morgue, dieci lavori inediti dell'artista tratti dalla controversa omonima serie fotografica del 1992.
Immagini macabre e scioccanti a lungo tenute nascoste per volere dello stesso artista e che ora vengono presentate per la prima volta, in esclusiva assoluta, a Milano.
In occasione della duplice mostra abbiamo intervistato Andres Serrano per la rubrica A tu per tu, il ritratto che ne emerge conferma l'immagine che l'artista dà di sé: un ironico provocatore.

L'immagine che Serrano ha sempre dato di sé è quella di un artista maledetto. In realtà, ad un'analisi più approfondita, la sua opera appare complessa e ricca di sfumature.
Genio ribelle per eccellenza, Serrano esprime la sua critica nella sottile dicotomia che sottende le sue immagini fotografiche, patinate e perfette, terrificanti e trasgressive, rifiutando le finzioni del mondo contemporaneo e illustrandone i turbamenti interiori e le manie.
Dai suoi esordi - agli inizi degli anni ottanta - fino ai giorni nostri, le fotografie di Andres Serrano (New York, 1950) non hanno mai smesso di rappresentare i temi più controversi e polemici del convulso mondo in cui viviamo.
La religione, il fanatismo, la corporeità, la xenofobia, la malattia e la morte, sono stati oggetto della sua meticolosa attenzione in serie come Bodily Fluids, The Morgue, Nomads, Ku Klux Klan, The Church, A History of Sex… Ciò che sembra una forma di provocazione si manifesta come una vocazione: quella di trattare temi e problematiche che ci riguardano come esseri umani attraverso immagini che si distinguono, inoltre, per la loro bellezza.
Di fatto, Serrano ha confessato che il suo obiettivo come artista è sempre stato quello della bellezza: "Credo che sia necessario cercare la bellezza anche nei luoghi meno convenzionali o nei candidati meno insospettabili. Se non incontro la bellezza non sono capace di scattare alcuna fotografia". Attraverso di essa, l'artista intensifica la tensione che seduce lo spettatore con il fascino proibito dei temi tabù.
L'efficacia delle sue immagini trova riscontro nei meccanismi della pubblicità: il ricorso ad una illuminazione dichiaratamente caravaggesca, i colori accesi, la precisione dei titoli, e, soprattutto, l'uso di un linguaggio breve, ma sempre eloquente. Serrano non ha un interesse specifico per il processo fotografico; è, piuttosto, un formalista che si identifica fortemente con la tradizione e con i grandi maestri della pittura barocca, definendosi un artista religioso del passato con idee contemporanee. Le sue composizioni sono rigorose e i simboli allegorici appaiono in ognuna delle sue serie fotografiche. Costruisce elaborati tableaux che adottano la qualità e il virtuosismo manierista dei grandi dipinti seicenteschi.
Serrano non censura mai le sue foto e non scende mai a compromessi.
Muovendosi sulla sottile linea che separa il sacro e il profano, il morale e l'immorale, il lecito e l'illecito, l'opera di Serrano ha evitato i limiti del puro decorativismo.
L'artista travalica i confini del permissibile - tanto nell'ambito personale quanto in quello sociale - per adescare e sorprendere gli spettatori, mettendoli a confronto con immagini che, come primo impulso, farebbero chiudere gli occhi se non fossero presentate in modo bello e pittorico.
Come di consueto, anche questo duplice appuntamento con l'arte di Serrano è accompagnato da un programma di attività didattiche e di visite guidate per singoli visitatori, gruppi e scolaresche.

Catalogo a cura di Silvana Editoriale.
Andres Serrano. Il dito nella piaga
a cura di Oliva María Rubio, in collaborazione con La Fábrica di Madrid
The Morgue
a cura di Alessandro Riva, in collaborazione con Tomaso Renoldi Bracco
A Milano dal 14/10 al 26/11/2006
PAC Padiglione d'Arte Contemporanea, Via Palestro 14
ORARIO: 9.30 - 19.00 tutti i giorni. Giovedì fino alle 21.00. Chiuso il lunedì INGRESSO: € 5,00 intero - € 3,00 ridotti e studenti - € 2,00 scolaresche
bambini fino a 8 anni gratuito, da 8 a 14 ridotto.
Gratuito nella giornata del 14 ottobre dalle 12.00 alle 24.00
INFORMAZIONI: tel [phone] - fax [phone] - www.comune.milano.it/pac

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ALTERAZIONI. Le materie della fotografia tra analogico e digitale

Museo di Fotografia Contemporanea - Cinisello Balsamo (MI)
8 ottobre 2006 - 4 febbraio 2007


La mostra presenta circa 100 opere fotografiche, video e installazioni dagli anni Settanta a oggi di 20 artisti italiani e stranieri che lavorano sulla materia della fotografia, esplorandola in profondità sia sul versante dell’immagine analogica che su quello del digitale, tra permanenza e disgregazione.

Parallelamente ai lavori in mostra i temi della trasformazione, della sparizione, della precarietà della materia, del restauro, dell’evoluzione delle tecnologie sono affrontati in un catalogo con numerosi contributi critici, storici e filosofici da parte di autorevoli autori studiosi italiani e internazionali.

Opere di: Enrico Cattaneo, Barbara Chiarini, Gianni Comunale, Mario Cresci, Max Dean, Bruno di Bello, Nichola Feldman Kiss, Joan Fontcuberta, Massimiliano Foscati, Jean Louis Garnell, Paolo Gioli, Mimmo Jodice, Bogdan Konopka, Ugo Mulas, Andreas Müller Pohle, Eric Rondepierre, Thomas Ruff, Marialba Russo, Silvio Wolf, Natale Zoppis.

Catalogo pubblicato da Museo di Fotografia Contemporanea e Lupetti Editori di Comunicazione, con scritti di Silvia Berselli, Anne Cartier Bresson, Christian Gattinoni, Gabriella Guerci, Nora Kennedy, Marina Pugliese, Roberta Valtorta.

Museo di fotografia contemporanea - Villa Ghirlanda - Via Frova 10 Cinisello Balsamo (MI)
ORARIO: da martedì a domenica 10.00-19.00 7 giovedì 10.00-23.00
INGRESSO: libero
INFORMAZIONI: tel. [phone] fax [phone]
E-MAIL: [e-mail]
SITO INTERNET: www.museofotografiacontemporanea.org